Sculpture et danse
Qu’est-ce qui est devant, qu’est-ce qui est derrière ? Où se situe la frontière entre sculpture et danseur ? Tous deux sont des partenaires spatiaux dans le dialogue entre le mouvement corporel réel et le mouvement virtuel de la sculpture, qui semble figée dans l’acier au moment de l’observation. Les frontières s’estompent : la sculpture danse – le danseur devient partie intégrante du concept sculptural et « partenaire de danse ».
Gerhard Bohner m’a demandé lors de notre première rencontre : « Pourquoi devrais-je danser ici ? Ça danse déjà ! » La danse et la sculpture sont des fragments équivalents d’un tout, dépendants l’un de l’autre et réagissant l’un à l’autre. La sculpture ne fait pas partie d’un décor, mais est une orientation, une mesure, un vis-à-vis, une borne, un rayon vers l’horizon – un fil à plomb.
Gerhard Bohner
Dans chaque salle de ballet, un miroir, un devant, c’est ainsi que j’ai été éduqué. Les décors sur scène ont un devant et un derrière. Le spectateur ne voit pas ce que je vois. Le spectateur ne voit que mon devant. Si je me retourne, mon derrière devient mon devant. Avec une seule face visible, j’avais l’impression d’être bidimensionnel et de danser ainsi. J’ai découvert une troisième dimension et je peux la rendre visible grâce à un partenaire, une sculpture qui n’a ni devant ni derrière, bien qu’elle ne soit vue que d’un seul côté.
L’espace était quelque chose à mesurer avec des pas. Il est devenu plus grand, plus riche en expériences pour moi avec les compétences : sauter en l’air en forme, tomber au sol, s’étirer. Puis, après des années, alors que les sauts, le rayon des articulations diminuaient, il est apparu – était-ce une nécessité ou la fin d’un chemin – que par la concentration extrême sur cet espace de plus en plus petit créé avec le corps, celui-ci s’élargissait. Un espace mental naît. Ce qui était d’abord une perte est devenu un gain.
Gerhard Bohner
Confirmation et exploration de l’espace au-delà des dimensions du corps et de son rayon. L’exploration et la perception additives des membres humains comme partie d’un tout et leur intégration dans le mouvement global sont le moyen d’expression marquant de Bohner dans le « Nombre d’or ». Le segment du doigt est aussi important que la main, que le bras, que le corps entier… L’espace devient le théâtre d’une expérience personnelle. Émotion et raison s’unissent. Mathématiques et gestes abstraits s’équilibrent avec l’expression la plus intime et existentielle. L’homme est-il lui-même l’auteur de son mouvement ou est-il guidé par une force extérieure ?
L’espace sculptural n’est pas une scène, il offre une orientation, crée des lieux de mémoire et d’action qui ne déploient leur langage esthétique qu’en rencontrant le danseur. Entre le danseur et le linéament d’acier se construit une tension spirituelle qui n’est que rarement rompue par le contact.
Les sons joués en direct du « Clavier bien tempéré » de Jean-Sébastien Bach, préludes et fugues en alternance libre, structurent le temps et accompagnent ce « chemin de croix de l’existence physique » du danseur face à la fugacité de son corps (R.S.)
Cesc Gelabert
Cesc Gelabert danse un solo de Gerhard Bohner (1936-1992)
Im (Goldenen) Schnitt II / Dans la (section) dorée II
Durch den Raum, durch den Körper / (À travers l'espace, à travers le corps)
Depuis quelques années, je présente la première version de Im (Goldenen) Schnitt dans des théâtres et des festivals du monde entier, et la réaction du public, des critiques et des organisateurs a été sensationnelle. Personnellement, cela m’a apporté une grande joie et une profonde satisfaction. C’est pour moi un foyer, un lieu de méditation et de calme.
Lorsque j’ai abordé la deuxième version, j’ai été profondément impressionné par sa dimension plastique, mais il me manquait la force émotionnelle du récit biographique, la logique du voyage à travers les articulations et l’exploration de l’espace comme dans la première version. Cependant, lorsque j’ai commencé les répétitions, une structure d’une grande beauté et clarté s’est progressivement cristallisée. Elle rompt et varie l’ordre des sections. Et pour la rendre symétrique, elle ajoute le prélude et la fugue numéro 13. Au lieu de parcourir la longueur du corps de la tête aux pieds, cela se fait dans l’ordre inverse, de bas en haut. Ces changements, au sein du nouvel espace scénique avec les sculptures de Robert Schad, renouvellent complètement la lecture et le sens de l’œuvre. Les sculptures occupent l’espace et façonnent les différents paysages d’une vie. C’est beaucoup plus optimiste, cela s’ouvre à l’avenir, propose une solution. Cela ne mène pas à la mort, mais à la vie.
Il est fascinant d’explorer le matériau chorégraphique dans ce nouveau contexte plastique et avec la force qui résulte du fait que quelqu’un joue la musique en direct. De plus, nous avons la grande chance d’avoir à nos côtés Heidrun Holtmann, la même pianiste qui accompagnait déjà Bohner lorsqu’il dansait cette œuvre.
Cesc Gelabert
Susanne Linke
Plusieurs points communs biographiques relient Gerhard Bohner, danseur et chorégraphe, décédé en juillet 1992, à sa collègue et amie Susanne Linke : la formation auprès de Mary Wigman, le passage de la danse à la chorégraphie et enfin le retour au solo.
Dans Dialogue, Susanne Linke développe son expression artistique pour définir sa propre position en tant que danseuse : une danse de la mémoire autour du solitaire Gerhard Bohner, qui incarnait une rigueur formelle sans compromis, ainsi que le développement d’une expression personnelle partant d’un langage corporel réduit à l’essentiel.
La première partie, dédiée à la mémoire de Gerhard Bohner et dansée en costume noir, est suivie d’une deuxième partie en blanc, dans laquelle la danseuse se représente elle-même. Cette dichotomie ouvre de multiples associations et interprétations. Nous nous limiterons ici à celles qui sont directement liées à l’installation de Robert Schad.
Le sculpteur a dit un jour qu’il laissait ses sculptures prendre la place de son propre corps. Avec Gerhard Bohner, il a mis en œuvre cette idée pour la première fois sur scène en 1989 – dans la pièce « Im (goldenen) Schnitt II ».
Robert Schad travaille avec des poutres en acier carrées, à partir desquelles il crée des formes linéaires. Qu’elles soient disposées individuellement sur le sol ou au mur, ou assemblées en structures plus grandes – elles ne font pas que façonner l’espace, elles le maintiennent également en mouvement.
Dans la première partie de Dialogue – la conversation avec Gerhard Bohner – la danseuse se déplace à travers une sorte de forêt sombre avec des clairières étrangement silencieuses. Elle s’engage respectueusement avec la structure abstraite des barres d’acier et se laisse guider dans ses mouvements à travers l’installation dans l’espace.
Dans la deuxième partie de Dialogue, Susanne Linke danse dans un espace réaménagé, un système graphique en acier, où elle devient elle-même le déclencheur de tensions spatiales en constante évolution. Le sculpteur est un co-créateur actif. Dans la clarté de l’espace scénique, le matériau perd sa lourdeur et entre en dialogue avec les mouvements de la danseuse.
Aux sombres conséquences d’une confrontation avec la mort succède la lumineuse participation à la vie.
Dirk Scheper
Urs Dietrich
Une accumulation de barres d’acier attire le danseur comme par magie. Une forêt tombée qui le captive ?
Il tente de garder le contrôle, sa détermination – l’issue est incertaine. Finalement, il parvient à se libérer. Un jeu banal avec des fragments d’acier lui apporte l’indépendance de cette attraction mystérieuse, avant qu’il n’écrive un texte énigmatique dans l’espace et que l’événement ne se dissolve.
Des sons provenant de la salle du haut fourneau créent une atmosphère mystique menaçante. Il en résulte une image de dépendance et de libération humaine, de légèreté ludique et de communication mythique, qui pose des questions existentielles profondes.
« TAN »
Musique de Hans-Joachim Hespos, Uli Messerschmidt à la contrebasse, danse et action d'Avi Kaiser en collaboration avec Francine Levy (version I), Ulli Spieß (version II), installation spatiale de Robert Schad 1993 Wilhelm-Lehmbruck-Museum, Duisbourg (avant-première, version I) 1994 Hebbel Theater Berlin (première version I) | 1994 Kulturpalast NDK, Sofia (première version II)
L’espace est la scène d’un paso doble chargé entre les danseurs et le musicien. La composition est le fil conducteur acoustique et l’impulsion du flot de mouvements, l’espace devient le lieu de stockage des sentiments intérieurs, où les protagonistes, par des gestes bruyants et des scènes quotidiennes minimalistes, s’approchent de la vie réelle, la remettent en question et la contredisent. Les constructions en acier façonnent l’ambiance, la matière est un instrument pour la production de sons et de bruits, dont les acteurs se servent.
Une « anima » est à la fois le contrepoint et la compagne du dialogue ambivalent. Musique, danse et installation se rencontrent à égalité et forment un tout compact (R.S.).
Fine Kwiatkowski
J’ai travaillé avec les sculptures de Robert Schad en interaction avec les compositions en temps réel de Willehad Grafenhorst à partir de 2002. Le musicien et artiste médiatique utilise les bruits propres des sculptures en acier comme base pour ses espaces sonores générés par ordinateur, les vibrations des sculptures sont transcendées dans le contexte de la musique électronique, la composition se réfère à la forme et au matériau des sculptures, sans les illustrer (Fine Kwiatkowski).
La figurine, sculpture incarnée, être d’une autre planète. Avec des capteurs largement déployés, elle prend contact avec les fragiles dessins spatiaux, comme si elle ne les avait jamais vus auparavant. Elle explore et palpe l’espace par ses mouvements, donnant aux sculptures une étincelle de vie malgré la rigidité physique du matériau implacable. La lourdeur de l’acier semble abolie – le lieu n’est pas de ce monde.
L’action, l’espace et le son fusionnent en un tout (R.S.)
Katja Fleig
Dans sa performance, la danseuse Katja Fleig jette un pont entre la sculpture contemporaine, l’Abbaye de Bon Repos en Finistère, dont l’origine remonte au XIIe siècle, et le paysage qui l’entoure.
Dans l’addition de ses membres, son anatomie est apparentée à la construction additive de la sculpture à partir de pièces d’acier droites, dont les soudures semblent permettre un mouvement articulaire.
La ligne sculpturale accompagne et décrit la vie du début à la fin.
Les actions dansées réagissent aux mouvements virtuels des sculptures et les prolongent dans l’espace. Elles sont le fil qui relie les lieux sculpturaux et les transforme en une chaîne.
Le temps est thématisé en ce que le déroulement temporel réel de la danse rencontre le « temps suspendu » de la sculpture, qui, malgré sa rigidité physique, transmet le mouvement, un mouvement qui semble s’arrêter au moment de l’observation, mais donne l’impression qu’il va reprendre le cours du temps au moment suivant (R.S.)
Les œuvres de Robert Schad « observent » le paysage environnant et tissent des liens subtils et invisibles avec lui – comme une présence unique qui révèle son environnement. Ainsi, le métal puise sa force dans les courants vivants de la terre, de l’air, de la lumière… et tisse un réseau dense de connexions qui m’offre, en tant qu’interprète, un vaste terrain de jeu.
Parfois, je vibre avec ces fils invisibles et capte à l’improviste les multiples impulsions qu’ils émettent. Les sculptures m’apprennent à expérimenter l’espace à travers leurs « regards » : elles me transmettent leur rythme, leur temps, que je « traduis » spontanément en langage dansé. Elles m’invitent à me blottir dans leurs creux, à suivre leurs lignes, à explorer leurs angles, à m’étendre à l’infini, à inventer un pas de deux – tantôt en harmonie, tantôt en contraste.
Sculptures et corps en mouvement créent ensemble un nouveau champ, un paysage unique, réinventé à chaque performance.
Katja Fleig
Isabelle Schad
Le maintien de son propre rythme, individuel, de la décision et de la participation au sein de contraintes et de formes clairement définies représente un modèle original de coexistence, de vivre-ensemble.
Isabelle Schad
Les membres forment des textures de mouvement qui transforment la danse en une expérience sculpturale. Un groupe de personnes, suivant une chorégraphie coordonnée, crée des images impressionnantes du commun, de la fusion de l’individu dans une image de mouvement organique qui, d’une part, évoque l’énergie collective de la coexistence humaine, mais aussi la manipulation et l’oppression.
Une image globale de l’existence humaine dans la masse sous toutes ses facettes et en même temps la question de la fonction de l’individu.
La disposition additive des membres humains trouve son équivalent dans l’addition d’éléments d’acier droits dans la sculpture et lui confère, malgré sa rigidité constructive, une idée de possibilité de mouvement dansé et une force profonde, intérieure et élémentaire. L’acier raconte l’état physique (R.S).
Isabelle Schad permet aux corps individuels de former une forme collective sans leur ôter leur rythme subjectif. Même là où le groupe, dans le mouvement, fusionne en un corps collectif réel, où il pourrait évoquer des associations d’ornements en mouvement ou même de machines, la présence, la vitalité des corps est toujours maintenue.
La libération de la contrainte capitaliste de l’auto-représentation comme auto-réalisation de l’individu ne conduit pas chez elle à la négation ou même à l’« effacement » de la subjectivité de l’individu. Et donc pas non plus à l’abandon de la responsabilité de ses propres décisions, comme c’est le cas dans les systèmes totalitaires.
La « co-vibration énergétique » dans son propre rythme au sein d’une forme partagée collectivement a deux prérequis : d’une part, percevoir son propre rythme subjectif. Trouver sa propre voie pour remplir la forme commune avec et dans son rythme subjectif. La forme étant plus un moyen qu’une fin : la beauté formelle des œuvres de Schad repose moins sur le fait que des figures ou des schémas de mouvement soient exécutés par tous de manière « égale » ou « parfaite ». Au contraire, elle sert souvent à dépasser précisément ces catégories – issues fondamentalement des principes de performance et de distinction. D’autre part, cela exige une grande attention et une grande conscience des rythmes et des impulsions des autres : il ne s’agit pas de « chacun pour soi ». Nous faisons toujours partie de quelque chose d’autre : la nature, la planète, la société et aussi les techniques et technologies que nous avons nous-mêmes créées. En conséquence, la pratique commune, l’action commune est toujours le point de départ et, d’une certaine manière, le point d’arrivée des travaux de groupe de Schad.
Annemie Vanackere, extrait de l’éloge funèbre pour l’hommage à Isabelle Schad dans le cadre de la remise du Prix allemand de la danse 2019 / Essen, 18.10.2019
António Torres / Chorégraphie Rui Horta
L’espace est l’« atelier » d’un paso doble chargé entre les danseurs et le musicien. La composition offre le fil conducteur acoustique et l’impulsion du flot de mouvements, l’espace devient le lieu de stockage des sentiments intérieurs, où les protagonistes, par des gestes bruyants et des scènes quotidiennes minimalistes, s’approchent de la vie réelle, la remettent en question et la contredisent. Les constructions en acier façonnent l’ambiance, la matière est une offre haptique, un instrument pour la production de sons et de bruits, dont les acteurs se servent.
Une « anima » est à la fois partenaire et contrepoint du dialogue ambivalent. Musique, danse et installation se rencontrent à égalité (R.S.).
Le croisement des formes d’expression artistique mène toujours à un territoire inattendu, et la danse, qui apporte tout un univers d’abstraction et de non-cognitif, est un terrain fertile pour une telle rencontre. Lorsque Robert Schad a installé ses sculptures dans la salle principale du MIEC à Santo Tirso, rien n’a été laissé au hasard. Ses œuvres dansent devant le spectateur qui les traverse. À vrai dire, ce sont des sculptures chorégraphiques pensées dans les moindres détails, des objets extraordinaires où l’acier se tord, provoque et défie le corps. Lorsque j’ai pénétré pour la première fois dans l’espace avec le danseur António Torres, j’ai été submergé par le potentiel de la rencontre et il a suffi d’écouter et de sentir comment cet univers me parlait. Les œuvres exigeaient le corps du danseur, qui s’y abandonnait, dans toute sa souplesse, sans méfiance. Quatre sculptures de différentes échelles et tempéraments, qui nous ont emmenés dans le voyage de la rencontre, quatre duos d’homme et de métal, de corps et d’acier dans la même étreinte sinueuse. Symbiose, parfois combat, mais toujours révélation.
Depuis combien d’années Robert Schad insistait-il pour cette rencontre !…
Dans ma myopie d’artiste, constamment en fuite vers l’avant vers une œuvre qui est toujours la plus importante, j’ai toujours repoussé le défi. Ce moment était d’autant plus significatif ; non seulement parce qu’il m’a permis de me retrouver dans le travail d’un sculpteur important et de m’exprimer dans quelque chose qui m’avait échappé jusqu’alors, mais aussi parce qu’il m’a donné l’heureuse occasion de travailler pour la première fois avec António Torres, un jeune danseur prometteur et très talentueux. La danse contemporaine, elle-même héritière des premières négociations transdisciplinaires, se sent à l’aise dans l’espace de la rencontre avec les arts visuels.
Anna Huber
En dialogue avec les sculptures de Robert, la danseuse Anna Huber et le musicien Martin Schütz ont développé des performances spécifiques au lieu pour l’espace intérieur et extérieur.
De nombreux points de contact entre le travail des deux artistes deviennent évidents : à partir de perspectives différentes, tous deux explorent le corporel.
Le regard d’Anna Huber se porte sur le corps en mutation et son potentiel à explorer l’espace, à le palper et à le rendre à nouveau perceptible, ainsi qu’à sonder ses lois anatomiques et ses limites. Dans le jeu avec les fragments corporels et les gestes, ce qui semble évident est remis en question et les possibilités de mouvement sont testées. Les articulations se plient et se déplient, les membres se nouent, les parties du corps développent une vie propre et sont réorganisées. Les formes se déforment, le corps et l’espace basculent dans des équilibres précaires. Pour Anna Huber, le corps dans l’espace est à la fois instrument, objet de recherche et matière première. Toujours en mouvement, il est un sismographe sensible et précis avec un potentiel de transformation. L’intensité dans la vulnérabilité et la fragilité de l’être humain, l’éphémère, le précaire et le fragile de l’identité et de l’existence animent et inspirent la recherche.
Anna Huber crée, en tâtonnant et avec détermination à la fois, un pont entre le corps, la sculpture et l’architecture et la nature qui les entourent.
Les sculptures de Schad reprennent ce langage. Dérivées du corps humain, elles thématisent, malgré leur présence constructive en acier, la condition humaine et la croissance végétale. Malgré leur lourdeur physique, les sculptures transmettent une légèreté optique, malgré leur rigidité constructive, elles semblent en mouvement, qui semble s’arrêter au moment de l’observation.
Le mouvement réel de la danseuse rencontre le mouvement virtuel de la forme sculpturale. La danse peut, dans sa fugacité, créer dans le contexte de la sculpture dans sa présence physique immédiate des moments de perception aussi intenses que fragiles, tout en faisant vibrer et en transformant le corps et l’espace. La thématisation du temps leur est commune à tous deux.
Koffi Kôkô – Le troisième espace
Première le 20 juillet 2025, Biennale D'Autun (France), Festival International d'Art Sacré Contemporain
Depuis 1985, Robert Schad travaille avec de l’acier fabriqué industriellement, de section carrée, de 45 mm de diamètre pour l’intérieur et jusqu’à 160 mm pour l’extérieur. Les lignes d’acier peuvent se densifier en nids compacts, en repères s’élevant vers le ciel, en balises expressives dans la nature et l’espace public. Ainsi, les sculptures de plusieurs tonnes se transforment dans notre perception en notations dansées, écrivent des mouvements dans l’espace et transforment leur gravité.
Quelques années seulement après la décision déterminante de se concentrer entièrement sur l’acier comme matériau pour la sculpture, un travail de recherche extrêmement fructueux commence par la rencontre avec le danseur-chorégraphe Gerhard Bohner. En 1989, la chorégraphie solo « Im (Goldenen) Schnitt II » est créée, dans laquelle Bohner, en échange artistique avec Robert Schad, mène son matériau de mouvement développé à partir de son propre corps à une expérience spatiale pionnière. Robert Schad poursuit ce format avec d’autres danseurs tels que Susanne Linke, Urs Dietrich, Avi Kaiser, Fine Kwiatkowski, Isabelle Schad et Anna Huber.
Dans cette ligne de recherche depuis 1989 s’inscrit également le nouveau projet « Le troisième espace », une collaboration avec le danseur-chorégraphe Koffi Kôkô. Dans ses 40 chorégraphies contemporaines depuis 1984, Koffi Kôkô a développé une œuvre qui a traduit de manière unique la philosophie du Vodun ouest-africain et le potentiel du rituel pour le théâtre occidental. C’est précisément ce potentiel que Robert Schad recherche au niveau de la sculpture et qui se déploie dans le dialogue entre les deux : l’immatérialité du matériel, la dissolution de la gravité dans la sculpture et dans le corps.
En tant que troisième artiste, le compositeur et percussionniste Manos Tsangaris entre dans ce dialogue avec des structures ouvertes de sculpture et de danse, ouvrant un espace de son, de rythmes et de silence. Comme le danseur, il intervient activement dans les constellations, créant un espace scénique avec les moyens de la percussion.
Robert Schad, Koffi Kôkô et Manos Tsangaris osent une rencontre remarquable entre sculpture, musique et danse, entre acier, rythme et corps humain, entre les mouvements de la danse, de la sculpture et du son. Ils invitent à expérimenter un troisième espace avec les spectateurs, un rituel contemporain de transformation et de transcendance, un rituel où l’un n’existe que par l’autre.
Johannes Odenthal
Robert Schad et la danse contemporaine
Films de l’Institut allemand du film de danse de Brême