Escultura e Dança
O que está à frente, o que está atrás? Onde passa a fronteira entre a escultura e o bailarino? Ambos são parceiros espaciais num diálogo entre o movimento corporal real e o movimento virtual da escultura, que parece congelada em aço no momento da observação. As fronteiras fundem-se: a escultura dança – o bailarino torna-se parte do conceito escultural e “parceiro de dança”.
Gerhard Bohner perguntou-me no nosso primeiro encontro: “Porque devo dançar aqui? Já está a dançar!”. A dança e a escultura são fragmentos equivalentes, interdependentes e que reagem entre si, formando um todo. A escultura não faz parte de um cenário, mas é orientação, medida, contraparte, marco, raio na distância – prumo.
Gerhard Bohner
Em cada sala de ballet um espelho, uma frente, foi assim que fui educado. As decorações no palco têm uma frente e um verso. O espetador não vê o que eu vejo. O espetador vê apenas a minha frente. Se eu me virar, as minhas costas tornam-se a frente. Com apenas um lado visível, tinha a sensação de ser bidimensional e de dançar assim. Experienciei uma terceira dimensão e posso torná-la visível através de um parceiro, uma escultura que não tem frente nem verso, embora também seja vista apenas de um lado.
O espaço era algo a ser medido com passos. Para mim, tornou-se maior, mais rico em experiências com as competências: saltar para o ar de forma moldada, cair no chão, expandir-se. Depois, passados anos, quando os saltos e o raio das articulações se tornaram menores, surgiu – fosse por necessidade ou o fim de um caminho – que, com a concentração extrema neste espaço cada vez mais pequeno criado com o corpo, este se alargou. Surge um espaço espiritual. O que inicialmente foi uma perda, tornou-se um ganho.
Gerhard Bohner
Assegurar e sondar o espaço através das dimensões do corpo e do seu raio. A exploração aditiva e a perceção dos membros humanos como parte do todo e a sua integração no movimento global é o meio de expressão marcante de Bohner em “Goldener Schnitt” (Secção Áurea). A falange do dedo é tão importante como a mão, como o braço, como o corpo inteiro… O espaço torna-se o palco de uma experiência pessoal. A emoção e a razão estabelecem uma ligação. A matemática e os gestos abstratos equilibram-se com a expressão mais íntima e existencial. Será o próprio ser humano o autor do seu movimento ou será ele guiado por uma força exterior?
O espaço escultural não é um palco, oferece orientação, cria lugares de memória e de ação que apenas revelam a sua linguagem estética no encontro com o bailarino. Entre o bailarino e o lineamento de aço constrói-se uma tensão espiritual que raramente é quebrada pelo toque.
Os sons tocados ao vivo de “O Cravo Bem Temperado” de Johann Sebastian Bach, prelúdios e fugas em alternância livre, estruturam o tempo e acompanham esta “via-sacra da existência física” do bailarino face à transitoriedade do seu corpo (R.S.)
Cesc Gelabert
Cesc Gelabert dança um solo de Gerhard Bohner (1936-1992)
Im (Goldenen) Schnitt II/ Na (Secção Áurea) II
Pelo espaço, pelo corpo / (Through Space, through the Body)
Há alguns anos que apresento a primeira versão de Im (Goldenen) Schnitt em teatros e festivais por todo o mundo, e a resposta do público, dos críticos e dos organizadores tem sido sensacional. A mim, pessoalmente, trouxe-me uma grande alegria e uma profunda satisfação. Para mim, é um lar, um lugar de meditação e de tranquilidade.
Quando me aproximei da segunda versão, fiquei profundamente impressionado com a sua dimensão plástica, mas faltavam-me a força emocional da narrativa biográfica, a lógica da viagem pelas articulações e a exploração do espaço como na primeira versão. No entanto, quando comecei os ensaios, cristalizou-se gradualmente uma estrutura de grande beleza e clareza. Esta quebra e varia a ordem das secções. E, para a tornar simétrica, acrescenta o prelúdio e a fuga número 13. Em vez de percorrer o comprimento do corpo da cabeça aos pés, tal acontece na ordem inversa, de baixo para cima. Estas mudanças, dentro do novo espaço cénico com as esculturas de Robert Schad, renovam completamente a leitura e o sentido da obra. As esculturas ocupam o espaço e moldam as diferentes paisagens de uma vida. É muito mais otimista, abre-se ao futuro, oferece uma solução. Não conduz à morte, mas sim à vida.
É fascinante explorar o material coreográfico neste novo contexto plástico e com a força que surge do facto de alguém tocar a música ao vivo. Além disso, temos a grande sorte de ter ao nosso lado, com Heidrun Holtmann, a mesma pianista que já acompanhava Bohner quando este dançava esta obra.
Cesc Gelabert
Susanne Linke
Várias semelhanças biográficas unem Gerhard Bohner, bailarino e coreógrafo falecido em julho de 1992, à sua colega e amiga Susanne Linke: a formação com Mary Wigman, a transição da dança para a coreografia e, finalmente, o regresso ao solo.
Em Dialogue, Susanne Linke desenvolve a sua afirmação artística para definir a sua própria posição como bailarina: uma dança de memória em torno do solitário Gerhard Bohner, que representava um rigor formal intransigente, bem como o desenvolvimento de uma forma de expressão pessoal baseada numa linguagem corporal reduzida ao essencial.
À primeira parte, dedicada à memória de Gerhard Bohner e dançada com um figurino preto, segue-se uma segunda parte em branco, na qual a bailarina se representa a si própria. Esta divisão abre múltiplas associações e interpretações. De seguida, limitar-nos-emos àquelas que estão diretamente relacionadas com a instalação de Robert Schad.
O escultor disse uma vez que deixava as suas esculturas ocuparem o lugar do seu próprio corpo. Juntamente com Gerhard Bohner, implementou esta ideia pela primeira vez em palco em 1989 – na peça “Im (goldenen) Schnitt II”.
Robert Schad trabalha com vigas de aço quadradas, a partir das quais cria formas lineares. Quer estejam dispostas individualmente no chão ou na parede, quer ligadas em estruturas maiores – elas não só moldam o espaço, como o mantêm simultaneamente em movimento.
Na primeira parte de Dialogue – a conversa com Gerhard Bohner – a bailarina move-se através de uma espécie de floresta escura com clareiras estranhamente silenciosas. Ao fazê-lo, confronta-se respeitosamente com a estrutura abstrata das barras de aço e deixa-se guiar no seu movimento pelo espaço através da instalação.
Na segunda parte de Dialogue, Susanne Linke dança num espaço recém-concebido, um sistema gráfico de aço no qual ela própria se torna o gatilho de tensões espaciais em constante mudança. O escultor é aqui um co-criador ativo. Na clareza do espaço cénico, o material perde o seu peso e entra num diálogo com os movimentos da bailarina.
Às consequências sombrias de um confronto com a morte segue-se a participação luminosa na vida.
Dirk Scheper
Urs Dietrich
Uma acumulação de barras de aço atrai o bailarino de forma mágica. Uma floresta caída que o enfeitiça?
Ele tenta manter o controlo, a sua autodeterminação – o desfecho é incerto. Finalmente, consegue a libertação. Um jogo banal com fragmentos de aço traz-lhe a independência deste magnetismo misterioso, antes de escrever um texto enigmático no espaço e o acontecimento se dissolver.
Sons provenientes da nave do alto-forno criam uma atmosfera ameaçadoramente mística. Surge uma imagem de dependência e libertação humana, de descontração lúdica e comunicação mítica, que coloca questões existenciais prementes.
“TAN”
Música de Hans-Joachim Hespos, Uli Messerschmidt no contrabaixo, dança e ação de Avi Kaiser em colaboração com Francine Levy (Versão I), Ulli Spieß (Versão II), instalação espacial de Robert Schad 1993 Wilhelm-Lehmbruck-Museum, Duisburgo (pré-estreia, Versão I) 1994 Hebbel Theater Berlim (estreia Versão I) | 1994 Palácio da Cultura NDK, Sófia (estreia Versão II)
O espaço é o palco de um Paso Doble carregado entre os bailarinos e o músico. A composição é o guia acústico e o impulsionador do fluxo de movimento, o espaço torna-se o cenário de sentimentos interiores, onde os protagonistas se aproximam da vida real em gestos ruidosos e cenas quotidianas minimalistas, questionando-a e contrariando-a. Estruturas de aço marcam o ambiente, a matéria é o instrumento para a produção de sons e ruídos de que os intervenientes se servem.
Uma “Anima” é o contraponto e a companheira do diálogo ambivalente. Música, dança e instalação encontram-se ao mesmo nível e formam um todo compacto (RS).
Fine Kwiatkowski
Trabalhei com as esculturas de Robert Schad em interação com composições em tempo real de Willehad Grafenhorst a partir de 2002. O músico e artista mediático utiliza os sons próprios das esculturas de aço como base para os seus espaços sonoros gerados por computador; as vibrações das esculturas são transcendidas para o contexto da música eletrónica, a composição refere-se à forma e ao material das esculturas sem as ilustrar (Fine Kwiatkowski).
A figurina, escultura feita carne, ser de outro planeta. Com sensores amplamente estendidos, estabelece contacto com os frágeis desenhos espaciais, como se nunca os tivesse visto antes. Ela testa e tateia o espaço através dos seus movimentos, dando às esculturas uma centelha de vida, apesar da rigidez física do material implacável. O peso do aço parece suspenso – o lugar não é deste mundo.
A ação, o espaço e o som fundem-se num todo (R.S.)
Katja Fleig
Na sua performance, a bailarina Katja Fleig estabelece uma ponte entre a escultura contemporânea, a Abadia de Bon Repos em Finistère, que remonta ao século XII, e a paisagem que a rodeia.
Na adição dos seus membros, a sua anatomia assemelha-se ao método de construção aditivo da escultura feita de peças de aço retas, através cujas juntas soldadas o movimento articulado parece possível.
A linha escultural acompanha e descreve a vida do início ao fim.
As ações coreográficas reagem aos movimentos virtuais das esculturas e prolongam-nos no espaço. Elas são o fio que liga os lugares esculturais entre si, transformando-os numa corrente.
O tempo é tematizado ao confrontar o decurso real do tempo da dança com o “tempo parado” da escultura que, apesar da sua rigidez física, transmite movimento; um movimento que parece deter-se no momento da observação, mas que transmite a impressão de que, no momento seguinte, voltará a saltar para o comboio do tempo (R.S.)
As obras de Robert Schad “observam” a paisagem circundante e tecem ligações subtis e invisíveis com ela – como uma presença única que revela o seu ambiente. Assim, o metal retira força das correntes vivas da terra, do ar, da luz… e tece uma rede densa de ligações que me oferece, como performer, um vasto campo de jogo.
Por vezes, vibro com estes fios invisíveis e capto de improviso os múltiplos impulsos que eles emitem. As esculturas ensinam-me a experienciar o espaço através dos seus “olhares”: transmitem-me o seu ritmo, o seu tempo, que eu “traduzo” espontaneamente numa linguagem de dança. Convidam-me a aninhar-me nas suas cavidades, a seguir as suas linhas, a explorar os seus ângulos, a expandir-me até ao infinito, a inventar um pas de deux – ora em harmonia, ora em contraste.
Esculturas e corpo em movimento criam juntos um novo campo, uma paisagem única que é reinventada em cada performance.
Katja Fleig
Isabelle Schad
A preservação do que é próprio, do ritmo individual, da decisão e da co-determinação dentro de restrições e formas claramente delineadas representa um modelo original de convivência, de estar-junto.
Isabelle Schad
Os membros formam texturas de movimento que transformam a dança numa experiência escultural. Um grupo de pessoas, seguindo uma coreografia coordenada, cria imagens impressionantes do coletivo, da dissolução do indivíduo numa imagem de movimento orgânico que, por um lado, remete para a energia coletiva da convivência humana, mas também para a manipulação e a opressão.
Uma imagem global da existência humana na massa em todas as suas facetas e, ao mesmo tempo, a questão sobre a função do indivíduo.
A disposição aditiva dos membros humanos encontra a sua correspondência na adição de elementos de aço retos na escultura e confere-lhe, apesar da rigidez construtiva, uma ideia de possibilidade de movimento coreográfico e de uma força profunda, interior e elementar. O aço fala da condição física (R.S).
Isabelle Schad permite que os corpos individuais assumam uma forma coletiva sem lhes retirar o seu ritmo subjetivo. Mesmo onde o grupo se funde num corpo coletivo real através do movimento, onde poderia evocar associações com ornamentos em movimento ou até com máquinas, a presença e a vivacidade dos corpos permanecem sempre preservadas.
A libertação da pressão capitalista para a autoexibição como autorrealização do ou como indivíduo não conduz, no seu caso, à negação ou mesmo à “extinção” da subjetividade do indivíduo. E, consequentemente, também não ao abandono ou renúncia da responsabilidade pelas próprias decisões, como é característico dos sistemas totalitários.
A “vibração energética conjunta” no próprio ritmo, numa forma partilhada coletivamente, tem dois pré-requisitos: primeiro, perceber sequer o próprio ritmo subjetivo. Encontrar o seu próprio caminho, preencher a forma comum com e no seu respetivo ritmo subjetivo. Sendo que a forma é mais um meio do que um fim: a beleza, inclusive formal, dos trabalhos de Schad baseia-se, correspondentemente, menos no facto de certas figuras ou padrões de movimento serem executados por todos de forma “igual” ou “perfeita”. Pelo contrário, serve muitas vezes para superar precisamente estas categorias – que, no fundo, provêm de princípios de desempenho e distinção. Por outro lado, pressupõe uma elevada atenção e cuidado com os ritmos e impulsos dos outros: não é “cada um por si”. Tal como somos sempre parte de algo mais: da natureza, do planeta, da sociedade e também das técnicas e tecnologias que nós próprios criámos. Assim, o exercício comum, a ação comum, é sempre o ponto de partida e, de certa forma, também o ponto de chegada dos trabalhos de grupo de Schad.
Annemie Vanackere, excerto do elogio para a homenagem a Isabelle Schad no âmbito da entrega do Prémio Alemão de Dança 2019 / Essen, 18.10.2019
António Torres / Coreografia Rui Horta
O espaço é a “oficina” de um Paso Doble carregado entre os bailarinos entre si e o músico. A composição oferece o guia acústico e o impulsionador do fluxo de movimento, o espaço torna-se o local de armazenamento de sentimentos interiores, onde os protagonistas se aproximam da vida real em gestos ruidosos e cenas quotidianas minimalistas, questionando-a e contrariando-a. Estruturas de aço marcam o ambiente, a matéria é uma oferta háptica, um instrumento para a produção de sons e ruídos de que os intervenientes se servem.
Uma “Anima” é simultaneamente parceira e contraponto do diálogo ambivalente. Música, dança e instalação encontram-se ao mesmo nível (R.S.).
O cruzamento de formas de expressão artística conduz sempre a território inesperado, e a dança, que traz consigo todo um universo de abstração e do não-cognitivo, é um terreno fértil para tal encontro. Quando Robert Schad instalou as suas esculturas na sala principal do MIEC em Santo Tirso, nada foi deixado ao acaso. As suas obras dançam perante o espetador que as percorre. Rigorosamente falando, são esculturas coreográficas pensadas até ao último detalhe, objetos extraordinários em que o aço se contorce, provoca e desafia o corpo. Quando entrei no espaço pela primeira vez com o bailarino António Torres, fiquei assoberbado pelo potencial do encontro e bastou ouvir e sentir como este universo me interpelava. As obras desafiavam o corpo do bailarino que, em toda a sua flexibilidade, se entregava a elas sem desconfiança. Quatro esculturas de diferentes escalas e temperamentos que nos levaram na viagem do encontro, quatro duetos de homem e metal, corpo e aço no mesmo abraço contorcido. Simbiose, por vezes luta, mas sempre revelação.
Há quantos anos Robert Schad insistia neste encontro!…
Na minha miopia de artista que se encontra incessantemente numa fuga para a frente em direção a qualquer obra que é sempre a mais importante, fui adiando o desafio. Este momento foi significativo precisamente por isso; não só porque me permitiu reencontrar-me no trabalho de um escultor importante e expressar-me em algo que até agora me tinha escapado, mas também porque me deu a feliz oportunidade de colaborar pela primeira vez com António Torres, um bailarino jovem e promissor com grande talento. A dança contemporânea, ela própria herdeira das primeiras negociações transdisciplinares, sente-se bem no espaço de encontro com as artes visuais.
Anna Huber
Em diálogo com as esculturas de Robert, a bailarina Anna Huber e o músico Martin Schütz desenvolveram performances específicas para o local, para o espaço interior e exterior.
Tornam-se evidentes numerosos pontos de contacto entre o trabalho dos dois artistas: a partir de perspetivas diferentes, ambos exploram o corporal.
O olhar de Anna Huber incide sobre o corpo em transformação e o seu potencial para explorar, tatear e tornar o espaço novamente experienciável, bem como para sondar as suas leis anatómicas e limites. No jogo com fragmentos do corpo e gestos, questiona-se o que parece óbvio e testam-se possibilidades de movimento. As articulações dobram-se e desdobram-se, os membros entrelaçam-se, partes do corpo ganham vida própria e são reorganizadas. As formas deformam-se, corpo e espaço inclinam-se em equilíbrios precários. Para Anna Huber, o corpo no espaço é simultaneamente instrumento, objeto de investigação e matéria-prima. Sempre em movimento, é um sismógrafo sensível e preciso, com potencial de transformação. A intensidade na vulnerabilidade e a fragilidade do ser humano, a transitoriedade, o precário e o frágil da identidade e da existência movem e inspiram a pesquisa.
Anna Huber cria, tateando e com determinação ao mesmo tempo, uma ponte entre o corpo, a escultura e a arquitetura e a natureza que a rodeiam.
As esculturas de Schad acolhem esta linguagem. Derivadas do corpo humano, apesar da sua presença construtiva e açoada, tematizam a condição humana e o crescimento vegetal. Apesar do seu peso físico, as esculturas transmitem leveza visual; apesar da sua rigidez construtiva, parecem em movimento, que parece deter-se no momento da observação.
O movimento real da bailarina encontra o movimento virtual da forma escultórica. Na sua fugacidade, a dança, em contexto com a escultura na sua presença física imediata, pode criar momentos de perceção tão intensos quanto frágeis, fazendo vibrar e transformar corpo e espaço. A tematização do tempo é comum a ambos.
Koffi Kôkô – O terceiro espaço
Estreia absoluta a 20 de julho de 2025, Biennale D’Autun (França), Festival International d’Art Sacré Contemporain
Desde 1985 que Robert Schad trabalha com aço de produção industrial, de secção quadrada, com 45 mm de diâmetro para interiores e até 160 mm para exteriores. As linhas de aço podem condensar-se em ninhos compactos, em marcos que se elevam no céu, em sinais expressivos na natureza e no espaço público. Assim, as esculturas que pesam toneladas transformam-se, na nossa perceção, em notações coreográficas, escrevendo movimentos no espaço e transformando a sua gravidade.
Apenas alguns anos após a decisão decisiva de se concentrar inteiramente no material aço na escultura, inicia-se um trabalho de investigação extremamente frutífero no encontro com o bailarino e coreógrafo Gerhard Bohner. Em 1989, estreia-se a coreografia a solo “Im (Goldenen) Schnitt II”, na qual Bohner, numa troca artística com Robert Schad, conduz o seu material de movimento desenvolvido a partir do próprio corpo a uma experiência espacial pioneira. Robert Schad dá continuidade a este formato com outros bailarinos e bailarinas como Susanne Linke, Urs Dietrich, Avi Kaiser, Fine Kwiatkowski, Isabelle Schad e Anna Huber.
Nesta linha de investigação desde 1989 insere-se também o novo projeto “O terceiro espaço”, uma cooperação com o bailarino e coreógrafo Koffi Kôkô. Nas suas 40 coreografias contemporâneas desde 1984, Koffi Kôkô desenvolveu uma obra que traduziu de forma única a filosofia do Vodun da África Ocidental e o potencial do ritual para o teatro ocidental. É precisamente este potencial que Robert Schad procura ao nível da escultura e que se revela no diálogo entre ambos: a imaterialidade do material, a dissolução da gravidade na escultura e no corpo.
Como terceiro artista, o compositor e percussionista Manos Tsangaris entra neste diálogo com estruturas abertas de escultura e dança, abrindo um espaço feito de som, ritmos e silêncio. Tal como o bailarino, ele intervém ativamente nas constelações, criando um espaço cénico com os meios da percussão.
Robert Schad, Koffi Kôkô e Manos Tsangaris arriscam um encontro notável entre escultura, música e dança, entre aço, ritmo e corpo humano, entre os movimentos da dança, da escultura e do som. Convidam a experienciar um terceiro espaço com os espetadores, um ritual contemporâneo de transformação e transcendência, um ritual em que um só existe através do outro.
Johannes Odenthal
Robert Schad e a dança contemporânea
Filmes do Instituto Alemão de Cinema de Dança de Bremen